El Museo de Bellas Artes de Bilbao: Exposición Colección Alicia Koplowitz
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Colección Alicia Koplowitz – Grupo Omega Capital

28 julio - 23 octubre 2017 - Sala BBK

El Museo de Bellas Artes de Bilbao y Petronor presentan por primera vez en nuestro país la exposición Colección Alicia Koplowitz – Grupo Omega Capital, una de las más destacadas colecciones artísticas privadas europeas.

▪ Las 90 piezas que forman la exposición ofrecen un recorrido por la historia del arte a través de maestros de todas las épocas, en donde destacan la escuela española –Pantoja de la Cruz, Morales, Zurbarán, Arellano, Paret o Goya–, el vedutismo italiano –Guardi, Canaletto–, el posimpresionismo francés –Van Gogh, Gauguin y Toulouse-Lautrec– y el arte contemporáneo –con pinturas de Picasso, Juan Gris, Antonio López, Millares, Tàpies y Barceló, en el arte español, y de Mondrian, Modigliani, Van Dongen, Schiele, De Kooning, Fontana, Rothko, Bacon, Freud, Warhol, Twombly o Kiefer en el contexto internacional–. El capítulo contemporáneo se completa con esculturas de Gargallo, Julio González, Oteiza, Chillida, Calder, David Smith, Giacometti, Louise Bourgeois, Donald Judd o Ai Weiwei.
▪ La exposición se muestra en la sala BBK del museo y continúa en la sala de arte contemporáneo con la sección dedicada a las obras de la colección de cronología más reciente.
▪ Durante la duración de la muestra se habilitará un horario especial de visita, abriendo todos los martes (día de cierre habitual del museo) en horario de 10.00 a 20.00 horas y con tarifa reducida (el resto del museo permanecerá cerrado).

A lo largo de las últimas décadas la Colección Alicia Koplowitz – Grupo Omega Capital se ha convertido en una de las colecciones artísticas europeas más relevantes cuya dimensión, sin embargo, ha permanecido inédita –salvo la reciente muestra de medio centenar de piezas en el Musée Jacquemart-André de París–.

La exposición en el Museo de Bellas Artes de Bilbao constituye un acontecimiento artístico de primer orden, ya que da a conocer por vez primera entre nuestro público una extensa selección de obras de la colección, que incluye una extraordinaria relación de maestros de la historia del arte. Son en total 90 pinturas y dibujos –fechados desde el siglo XVI hasta el XXI– y esculturas –desde la Antigüedad clásica hasta nuestros días–.

El conjunto testimonia un espíritu coleccionista con códigos propios que en su personal búsqueda de la belleza presta atención al pasado y al presente, y atiende tanto la pintura como la escultura. Estos intereses se concretan en una mayor densidad de obras de los siglos XVIII y XX, y en una vocación cosmopolita que hace que la nómina de artistas incluya a maestros españoles e internacionales por igual. Estos rasgos son de verdadera excepcionalidad en una colección privada española.

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Mark Rothko (1903-1970) No. 6 (Yellow, White, Blue over Yellow on Gray) (N.º 6 [Amarillo, blanco, azul encima de amarillo sobre gris]), 1954 Óleo sobre lienzo. 240 x 151,8 cm © Colección Alicia Koplowitz- – Grupo Omega Capital
La exposición

Como indica el profesor Francisco Calvo Serraller en el ensayo del catálogo editado con ocasión de la muestra, el recorrido expositivo ofrece un repaso a la historia del arte occidental –que se inicia en la Antigüedad clásica y termina en nuestros días–, que no se ordena por sus principales periodos y maestros, sino a través de una selección guiada por el gusto artístico de la coleccionista.

El itinerario –articulado entre la sala BBK del museo y la primera planta del edificio– se divide en nueve apartados: “La persistencia del ideal clásico”, “El Siglo de las Luces”, “Vida privada, vida pública”, “París, cambio de siglo”, “Nuevos caminos en el arte de entreguerras”, “Materia, gesto, mancha”, “Figuraciones”, “Informalismos y abstracciones” y “Epílogo”.

Tomando como punto de partida la escultura grecolatina, la Colección Alicia Koplowitz – Grupo Omega Capital pone de relieve un mayor interés por las épocas moderna y contemporánea y, sobre todo, por los siglos XVIII y XX. Temáticamente se aprecia una especial sensibilidad hacia la iconografía femenina, que se origina, precisamente, en la estatuaria de Afrodita y continúa, como un hilo conductor, a lo largo de las diversas épocas y géneros artísticos.
De este modo se entienden, entrando ya de lleno en el arte español de los siglos XVI y XVII, la pintura de corte de Juan Pantoja de la Cruz –Retrato de doña Ana de Velasco y Girón, duquesa de Braganza, con traje de corte– o las maternidades en clave religiosa de Luis de Morales –Virgen vestida de gitana con el Niño del aspa– y Francisco de Zurbarán –La Virgen con el Niño Jesús y san Juanito–. Dentro de la pintura del siglo XVII destaca también el género del bodegón, con el suntuoso Cestillo de flores de Juan de Arellano.

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Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828) Maja y celestina al balcón 1810-1812 Óleo sobre lienzo. 166 x 108 cm ©Colección Alicia Koplowitz – Grupo Omega Capital

En el siglo XVIII Goya adquiere protagonismo indiscutible con cuatro obras que muestran los variados intereses del genio aragonés: la escena de bandoleros Asalto a la diligencia, la mitológica Hércules y Ónfala, el delicado Retrato de la condesa de Haro –cuyo intimismo encuentra eco en las representaciones de Agustín Esteve y Louis-Léopold Boilly–, y Maja y celestina al balcón, ejemplo del casticismo goyesco. El gusto por lo popular se manifiesta también en otros pintores coetáneos y en otras derivaciones temáticas, como las escenas costumbristas de Lorenzo Tiepolo o la pintura galante de Manuel Camarón y de Luis Paret y Alcázar.

También en este mismo siglo destaca otro género, el de la pintura de vistas, que se vuelve paradigmática en la obra de los venecianos Francesco Guardi y Canaletto, topográfica en las dos panorámicas de Antonio Joli, y “ruinista” en las composiciones del francés Hubert Robert. Más original es la presencia de Pietro Antonio Rotari, que caracteriza en sus lienzos a cuatro jóvenes acentuando sus expresiones anímicas.

El siglo XIX está representado por un refinado cuadro de Raimundo de Madrazo y, sobre todo, el posimpresionismo francés con obras de Gauguin, Toulouse-Lautrec y Van Gogh; este último con una naturaleza muerta, género que ya en el tránsito del siglo XIX al XX representa así mismo a Fantin-Latour. Dentro de las primeras décadas de la vanguardia parisina y el expresionismo austriaco el fauvista Kees van Dongen, Egon Schiele y Amedeo Modigliani continúan la inclinación de la coleccionista por la representación de la figura femenina.

Con casi cincuenta piezas, el siglo XX es otro de los núcleos esenciales de la colección y constituye la mitad de la selección de las obras de esta exposición. De ellas, más de un tercio se corresponde con artistas españoles de relevancia internacional. Sobresalen pinturas de Picasso –con dos óleos y un dibujo, pero también con una pequeña escultura en metal pintado–, Juan Gris y Luis Fernández, que en parecidas fechas vivieron junto con los escultores Pablo Gargallo y Julio González la efervescencia de la vanguardia histórica en París. La obra de Julio González –una escultura en hierro forjado y su dibujo preparatorio– encuentra su relación natural en las posteriores realizaciones de Alexandre Calder y David Smith.

Ya en la década de los años cuarenta, el itinerario de la muestra resume muchas de las inquietudes del arte español de la época en las pinturas de Antonio López, Manuel Millares, Antoni Tàpies; y ya durante los años setenta en la de José María Sicilia, y en la pujante escultura vasca del periodo, magníficamente representada con obras de Jorge Oteiza y Eduardo Chillida. Finalizando el siglo, se exponen dos cuadros de gran formato de la década de los noventa de Miquel Barceló y una escultura de Juan Muñoz del año 2000.

En el arte europeo de mediados del siglo XX la vertiente figurativa se concreta en las estilizadas esculturas de Germaine Richier y Alberto Giacometti, y en los desolados retratos de los pintores Lucian Freud y Francis Bacon. El único ejemplo de arte pop es un icónico autorretrato de Andy Warhol.

Por las mismas décadas, la pintura de Nicolas de Staël ofrece el contrapunto abstracto que, en diversos ejemplos, va trazando un camino propio en la colección: el neoplasticismo de Piet Mondrian, el espacialismo de Lucio Fontana y las expresiones en clave minimalista de Frank Stella, Donald Judd, Agnes Martin o Blinky Palermo, y la “abstracción musical” de Fausto Mellotti son ejemplos relevantes de esta expresión.

Por su parte el expresionismo norteamericano incluye nombres tan significativos como Willem de Kooning y Mark Rothko y, en la siguiente generación, Cy Twombly, que extiende su influencia hasta Anselm Kiefer.
Precisamente de Kiefer es la pintura más reciente de la colección, fechada en 2014. Otros nombres del arte más reciente como los de Louise Bourgeois o Ai Weiwei forman parte del enriquecedor epílogo de la exposición.

Stahlfrau Nr.16 (Mujer de acero n.º 16), 2004 del artista Thomas Schütte (1954).

Antes de la inauguración y desde el 5 de Julio, se ha podido visitar en el Hall Chillida del museo, la obra de este artista, junto a Le Dormeur du Val (2014) de Anselm Kiefer (1945) presentada el pasado mes de mayo, y que forman parte de las 90 piezas que completan toda la muestra.

Thomas Schütte (1954), artista alemán contemporáneo y uno de los más reconocidos de su generación, abarca obra de gran pluralidad, pintura, escultura, arquitectura, instalaciones y diseño. La obra Stahlfrau Nr. 16 (Mujer de acero n.º 16), 2004, forma parte de la serie “Frauen” (Mujeres), un conjunto de 18 esculturas reproducidas en acero, bronce y aluminio creadas entre los años 1998 y 2006, con mujeres en diferentes posturas tendidas sobre mesas de acero. Algunas figuras nos evocan los desnudos clásicos femeninos, y otras son monumentales, con miembros recortados o distorsionados y tan poderosamente retorcidas, que apenas se reconoce la forma femenina. Al igual que Stahlfrau Nr. 16 (Mujer de acero n.º 16), 2004, todas las esculturas son representaciones del cuerpo humano en diversos estados físicos y emocionales, a una escala que resulta inquietante.

Información práctica

Horarios de visita.

Horario de visita a la exposición: todos los días de 10.00 a 20.00 horas.
Con motivo de la exposición se ha establecido su apertura extraordinaria todos los martes (día habitual de cierre) de 10.00 a 20.00 horas, con tarifa reducida (el resto del museo permacerá cerrado).

Tarifas

La tarifa de entrada al museo es de 9 € (salvo las bonificaciones establecidas) y permite la visita a la colección y a las exposiciones del museo.

Todos los días de 18.00 a 20.00 horas los visitantes podrán beneficiarse de la entrada gratuita para la colección permanente y de la reducida (7 €) para la exposición temporal.

Compra de entradas on-line en www.museobilbao.com

Programa didáctico

El Departamento de Educación y Acción Cultural pondrá en marcha con el inicio del curso, a partir del mes de septiembre, un programa de visitas comentadas en castellano, euskera e inglés, dirigidas al alumnado de 2º ciclo de la ESO, Bachillerato, adultos en programas de formación y colectivos con necesidades especiales.

Catálogo

El catálogo editado con motivo de la exposición incluye el ensayo “La senda del arte”, en el que el historiador y crítico de arte Francisco Calvo Serraller recorre los hitos de la colección contextualizados en los diversos periodos históricos y escuelas artísticas a las que pertenecen. La conservadora de la colección y comisaria de la exposición Almudena Ros ha escrito también un texto con las claves que han guiado el origen y desarrollo de la colección. Se reproducen además todas las obras de la muestra, acompañadas de un anexo con sus correspondientes fichas técnicas. El catálogo se puede adquirir tanto en la tienda del museo (39 €) como en el punto de venta situado al final de la exposición.

IMAGEN DE PORTADA:

Amedeo Modigliani (1884-1920)

La Rousse au pendentif

(La pelirroja con el colgante), 1918

Óleo sobre lienzo. 92 x 60 cm

©Colección Alicia Koplowitz –

Grupo Omega Capital

Más información: www.museobilbao.com

 

Colección Alicia Koplowitz en Bilbao

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